SEULE LA JOIE

Synopsis :

Sascha est travailleuse du sexe dans une maison close de Berlin. Les clients en manque d’amour se succèdent, inlassablement. Mais sa rencontre passionnée avec Maria, une nouvelle venue indépendante et anticonformiste, va réapprendre à Sascha qu’elle aussi a besoin d’aimer.

La réalisatrice Henrika Kull nous raconte la rencontre entre deux femmes dans un monde où le corps féminin est synonyme de marchandise. À travers des images fortes et authentiques, elle suit ses deux protagonistes qui se tournent autour, puis se draguent, se rapprochent, pour ne plus pouvoir se détacher l’une de l’autre. Pourtant, être ensemble ne leur suffit pas. Ce film nous dépeint une histoire d’amour passionnel sans limite.

Henrika Kull, est née en 1984 dans le sud de l’Allemagne. Elle a d’abord fait des études de sciences sociales à Cologne. Après avoir fini sa thèse en 2012, elle commence des études de cinéma en réalisation à la German Film and Television Academy de Berlin. Pendant la réalisation de son premier court-métrage, elle a ressenti des moments de grandes souffrances mais aussi de grandes joies avant de finalement réaliser qu’il s’agissait d’une véritable passion. À partir de 2014, elle étudie la réalisation de films à l’Université de Babelsberg Konrad Wolf, dans la classe de Barbara Albert, qu’elle a également assistée pour son film Mademoiselle Paradies (2017). Le film de fin d’étude d’Henrika Kull, Jibril, est sélectionné dans la section Paranoma de la Berlinale en 2018 et gagne plusieurs prix dont celui du meilleur film pour le Studio Hamburg Young Talent Award. Il sort en salles l’année suivante en Allemagne. Son long-métrage Seule la joie est produit par Flare Film en coproduction avec ZDF - Das kleine Fernsehspiel. Son troisième projet de long-métrage Central Station est actuellement en phase de développement.

Les deux interprètes sont : Katharina Behrens et Adam Hoya.

La première est née en 1981 à Meiningen. Elle a fait des études d’art dramatique au Max Reinhardt Seminar à Vienne en Autriche jusqu’en 2007. Elle joue dans différents théâtres dont le Théâtre Thalia à Hambourg, le Théâtre Osnabrück et le Théâtre Schauspiel à Stuttgart. Elle a gagné le prix de la meilleure actrice au Festival International du film d’Aubagne pour son rôle dans le court-métrage Where we are réalisé par Ilker Çatak en 2015. Après quelques apparitions à la télévision, elle joue dans le film Once Upon a Time... Indianerland d’Ilker Çatak en 2017 puis dans son film Stambul Garden en 2021. Le rôle de Sascha dans Seule la joie est son premier rôle principal dans un long-métrage. Son troisième projet de long-métrage Central Station est actuellement en phase de développement.

Adam Hoya, est un artiste italien vivant à Athènes en Grèce. Depuis ses 14 ans, Adam considère la protection de la vie privée comme démodée. Avec une fréquence incroyable, il poste toute sa vie en ligne, constamment commentée par ses fans. Par l’écriture et la prise de parole sur des thèmes  généralement considérés comme intimes voire tabous, il développe une forme originale d’introspection afin de trouver sa véritable nature. Pour Adam, l’identité est comme la mode, interchangeable à sa guise. En 2019, Pia Hellenthal réalise le documentaire Searching Eva qui parcourt la vie intime d’Adam. Le film est projeté dans la section Panorama du Festival de Berlin. Adam a possédé au moins une demi-douzaine de noms depuis 1992 et a passé la plupart de sa vie professionnelle en tant que travailleur du sexe.

Deux personnes qui se cherchent dans la vie, deux personnes qui se rencontrent et qui vont tomber amoureuses l'une de l'autre. 

Le film nous décrit comment se passe la prostitution en maison close. Dans un monde de filles, des hommes en manque d'amour ou de sexe viennent trouver ce qu'ils recherchent. Les prostituées sont indépendantes et c'est un moyen pour elles de se faire de l'argent. A côté elles vivent normalement, font leurs courses, ont un logement, Sascha a même un enfant qu'elle voit de temps en temps.

L'arrivée de Maria va troubler le quotidien de Sascha. On pourrait croire Maria plus fragile que sa compagne toujours souriante, mais il n'en n'est rien, la plus âgée est sans doute la plus tiraillée.

Toutes les deux vont tenter d'être heureuses ensemble ce qui ne va pas être sans mal car elles ont toutes deux des écorchures.

Un chemin douloureux semble s'ouvrir, mais sans doute l'une avec l'autre trouveront-elles ce qu'elles cherchent.

Parfois hasardeux, décousu, ce film cru, qui n'occulte rien, ni des scènes intimes, nous montre une réalité qui existe réellement, et le besoin de véritable amour que recherchent ces deux femmes. On comprend aisément le titre "seule la joie" qui veut tout dire pour Sascha et Maria.

FESTIVALS : 

Berlinale 2021 – PANORAMA (BERLIN)
Taipei IFF
Helsinki IFF
Festival Universciné Allemand  (Nantes) Prix du Jury
Festival Augenblick – Prix du Jury Professionnel / Prix du Jury Etudiant Européen
New Fest New York FF
SQFF (Seattle) – Prix du Meilleur Film de Fiction
Chéries-Chéris
Biografilm IFF (Bologne)
Frameline Film Festival (San Francisco)
New Horizon IFF
Out on film (Atlanta)- Prix du Meilleur Film compétition internationale

Crédits photos et vidéo : Henrika Kull - OUTPLAY FILMS

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ARVOR DE 2 A 5

OU LES PÉRIPÉTIES D'UN CINEMA EN MOUVEMENT

Synopsis : 

Demain dès l’aube -enfin, quand il pourra- le cinéma Arvor déménagera! D’ici là, le chemin est ardu et semé d’embuches. Les deux Corentin ont partagé 3 ans durant le quotidien de ce cinéma Art et Essai vieux d’un demi-siècle et sont tombés sous le charme de ce lieu emblématique imprégné d’images. Peuplé d’êtres attachant(e)s, de chats espiègles et d’un chien sonore, Arvor de 2 à 5 convoque les souvenirs d’un monde qui s’efface et projette les rivages d’un autre qui se dessine.

Ce documentaire est réalisé par Corentin Doucet qui était chef monteur sur Au dos de nos images. A ses côtés Corentin Massiot.

A propos du film par les réalisateurs : 

Arvor de 2 à 5, est la chronique d’une salle de cinéma, l’Arvor, qui s’installe dans un nouveau lieu. On a imaginé le film, telle la vie et ses imprévus, avec comme ressort dramatique ce déménagement qui vient, et qui va nécessairement provoquer des bouleversements. Les séquences font le récit d’une équipe de passionnés, bénévoles et salariés, dont le leitmotiv est la défense du cinéma en tant qu’expression artistique singulière, dans un esprit d’indépendance. Les personnages, en situation réelle, deviennent des acteurs du film, d’où l’importance de la confiance instaurée entre les filmeurs et les filmés.

Le film s’intéresse à ce qui fonde l’esprit d’une salle de cinéma Art et Essai au moment où celle-ci, confrontée à la concurrence des écrans et à l’arrivée des plateformes, choisit de se délocaliser dans une tour moderne qui lui permettra de passer de deux à cinq salles. L’Arvor, temple de la cinéphilie depuis 1956 est un symbole : une manière de voir des films et d’en parler. Nous voulons affirmer notre attachement à la salle de cinéma comme premier lieu où l’on découvre un film. Nous défendons le cinéma comme lieu social, lieu d’échange, de rencontre, et d’une expérience «extraordinaire». Formellement dans le film notre regard se substitue à celui des spectateurs, alors qu’ils regardent un film. Nous voulons affirmer l’importance d’une vision en continu des films à l’heure où notre société incite à la dispersion permanente nuisant ainsi à une concentration sur un temps long. Notre film se situe au niveau du transfert de l’âme d’un lieu chaleureux ‘transposé’ dans une coque à l’architecture complexe, que l’on ressent comme froide et impersonnelle. Un nouveau lieu qui n’a pas encore d’âme. C’est un défi que l’Arvor doit relever et c’est là que s’arrête notre film. Nous n’avons pas voulu faire un film d’histoire ou de propositions, nous voulions porter notre regard, pour dire notre attachement au «cinéma», art du temps, du mouvement et de la lumière, au travers de ceux qui le font vivre auprès du public dans toute sa diversité.

Le tournage sur la durée a été possible grâce à la confiance qui nous a été accordée, et qui s’est notamment traduite par la mise à disposition d’un bureau dans le cinéma. La narration s’appuie sur le réel et se construit avec l’équipe de l’Arvor filmée dans son quotidien, qui doit faire face au changement qui vient et à la crise sanitaire que nul n’avait prévu.

Il y a Patrick Fretel, gestionnaire des lieux, garant du fonctionnement administratif et qui veut mener à bien le grand projet de déménagement de son cinéma, supervisant le transfert, le mettant sur les rails d’une nouvelle ère avant de prendre une retraite bien méritée. Son jumeau Jacques est le programmateur historique de la salle.

Éric Gouzannet, un acteur local majeur du cinéma, co-fondateur du Festival Travelling et de l’association Clair Obscur, recruté depuis cinq ans, aujourd’hui directeur, il donne un souffle nouveau à l’Arvor. Et enfin, Antonin, salarié de l’Arvor, co-présentateur de l’émission cinéphile Le cinéma est mort depuis quinze ans. Cinéphile invétéré, il a un avis éclairé sur le cinéma et le rôle d’une salle de cinéma. Sortir du diktat des sorties lui semble une évidence pour se démarquer. Il organise à l’Arvor les soirées Le film du dimanche soir, qui attirent un nouveau public. Chacun dans son rôle œuvre pour le même objectif, celui de faire venir le public.

Nous nous positionnons en tant que cinéphiles à l’intérieur d’une salle Art et Essai, cherchant à saisir par le truchement de l’objectif et la force du montage le rôle joué par cette salle de cinéma où art et rentabilité se conjuguent sans s’opposer. Un cinéma qui se veut œuvre, qui propose une vision, un regard, qui touche, voire bouscule, dans le bon sens du terme. Le film se place du point de vue de ceux qui l’animent. Dans la relation de l’équipe avec le public, dans leurs échanges pour un cinéma qui suscite un fort attachement : convivialité, accueil, ouverture d’esprit, expérience artistique, réflexion, émotion, exigence, créativité, sont les maîtres mots de ce lieu qui constitue à nos yeux l’avenir du cinéma, dans ce qu’il a d’instructif, de divertissant et d’enrichissant, dans sa dimension fondamentale de créateur de lien social fort et durable.

Ainsi la narration initiale était guidée par le point de chute ultime du déménagement. La dramaturgie épouse la route (sinueuse) qui doit conduire à la réussite de ce transfert. Mais, un élément perturbateur est venu bousculer notre narration, et n’en ajoute que plus de suspense. Notre documentaire, reflet d’une situation générale à partir des problématiques spécifiques à l’Arvor, revêt depuis la pandémie, une dimension nationale qui concerne toute l’industrie de la culture, du cinéma et a fortiori des salles Art et essai.

Le cinéma n’avait jamais fermé ses portes depuis janvier 1983, date de son installation à l’adresse actuelle. Pas un jour... Il est évident que le confinement n’a fait qu’accentuer et précipiter une situation que subissent déjà les cinémas indépendants, dont l’Arvor est un symbole : une concurrence accrue des écrans et des plateformes, le développement (accéléré) de nouveaux usages du public... On est donc au cœur du sujet puisque ce sont pour ces raisons que l’Arvor a pris le parti de déménager. Nous avions le sentiment qu’il fallait attirer l’attention sur les dangers qui la guettent. Le film pourrait ainsi devenir un support de discussion et d’échange avec la salle sur la salle.

ARVOR, DE 2 À 5, ou LES PÉRIPÉTIES D'UN CINÉMA EN MOUVEMENT nous parle d'une thématique actuelle, en résonance avec les états généraux du cinéma et la crise que traverse actuellement la salle de cinéma et le cinéma en général...

Alors que la fréquentation de nos salles est au plus bas, on nous invite à voir la réalité de l’intérieur, la vie d'un cinéma qui ressemble à tant d’autres.

Voir des films dans une salle de cinéma reste quelque chose d'unique, un temps suspendu que l’on s’accorde seul ou à plusieurs. C'est aussi la possibilité de s’enfermer dans une salle pour y ouvrir une fenêtre aux possibilités aussi larges que l’imaginaire.

Il est vrai que depuis la crise du Covid et la naissance de plusieurs plateformes qui produisent et diffusent des films, le cinéma va mal, ce documentaire est un hymne au cinéma, aux salles de cinéma et s'adresse aux vrais amateurs de salles obscures.

 Festivals :

Festival de La Rochelle - Sélection officielle 2022

ARVOR DE 2 A 5 - Bande annonce from Next Film Distribution on Vimeo.

 Crédits photos et vidéo : Next Film Distribution

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 PIGGY

Titre original : Cerdita

Synopsis :  

Pour Sara, l'été sous le soleil écrasant est synonyme du harcèlement qu'elle subit de la part des autres jeunes de son petit village. Lorsqu'un mystérieux étranger décide de s'en prendre à trois de ses brutes tout s'arrête. Sara en sait plus qu'elle ne veut bien l'avouer et un dilemme se pose : parler et sauver ces filles ou ne rien dire pour protéger cet étranger qui l'a sauvée....

Une femme est derrière la caméra pour ce film sorti dans différents pays en 2021 et qui arrive enfin sur les écrans français le 2 novembre prochain. Son nom : Carlota Martinez-Pereda.

Cette dernière a déjà proposée un court-métrage, Las Rubias en 2016. Elle abordait déjà le problème de l'homophobie de la grossophobie dans un autre court en 2018 du nom de Cerdita. Ce film est en quelque sorte la suite normale.

L'actrice principale, Laura Galan, qui est Sara, est exceptionnelle !!! C'est LA révélation du film et l'on souffre avec elle, on court avec elle, on transpire avec elle, on a  peur avec elle. Elle ose tout et n'a pas peur de montrer son corps tel qu'il est à l'écran et pour les besoins du film et elle a bien raison.

Cette actrice née en 1986, qui ne fait absolument pas son âge dans ce long métrage, a commencé sa formation avec le théâtre où elle a pas mal joué. Puis elle a fait des apparitions dans des séries TV et a tenu quelques petits rôles comme dans L'homme qui tua Don Quichotte, Origines secrètes.

Avec Piggy, elle trouve un long métrage à la hauteur de son talent et pour sûr dans les années à venir on va entendre parler d'elle.

On ne peut pas dire que j'appréhendais de voir ce film, car c'est un mot très fort, mais lorsque je vois la catégorie horreur on ne peut pas dire que cela me transcende. Quelle bonne surprise, et je classerai plus Piggy dans la catégorie Thriller.

Dès le générique le ton est donné avec le père de Sara qui découpe de la viande.... On comprend au fur et à mesure que la réalisatrice va plus suggérer que montrer ce qui est parfois plus angoissant !!!

Ce film parle d'obésité, car oui Sara est réellement en surpoids, mais la réalisatrice aborde surtout les thèmes de la grossophobie, le regard méchant des autres dans ce petit village, les moqueries, la méchanceté des humains si l'on  ne rentre pas dans "le moule". 

Sara est victime de harcèlement et vit seule dans son coin avec cela car elle ne veut rien dire à ses parents... jusqu'au jour où elle va croiser celui qu'elle prendra pour son sauveur et dont elle tombera secrètement amoureuse.

Moi qui ne supporte pas la moquerie, j'ai complètement ressenti au travers de ce long métrage ce que Sara pouvait ressentir de la part des jeunes filles absolument idiotes, des réseaux sociaux où l'on divulgue des images de "Piggy", de ces jeunes garçons qui se moquent d'elle car elle ne correspond pas à leurs critères de beauté.

Cet homme, arrivé de nul part, Sara ne sait pas trop quoi en penser au départ, car bien entendu il fait payer à d'autres personnes le fait qu'ils se moquent d'elle, mais doit-elle pour autant se taire ? 

La réalisatrice arrive à faire passer une tension qui va crescendo. On apprécie également le fait de tourner en 4/3, le fait que cette histoire se passe dans un petit village. Le soleil écrasant et la lumière qui est donné au film accentue ce côté thriller.

Avec "Piggy", Carlota Pereda dénonce la violence que peuvent subir les jeunes, ou moins jeunes, via les réseaux sociaux ou en dehors.

Il ne faut pas se fier à l'affiche qui vous pousserait peut être à ne pas aller voir ce film. Les moments les plus "sanglants" se situent en fait à la fin du film.

Un long métrage profond avec des moments clés jusqu'au bout. La réalisatrice nous surprend et  Laura Galan encore plus car elle ose se montrer telle qu'elle est et nous prouve que l'on peut s'en sortir grandit de la persécution. Les moqueurs de tout bord, et autres mauvaises langues, n'en qu'à bien se tenir.....

   PIGGY Titre original : Cerdita Synopsis :   Pour Sara, l'été sous le soleil écrasant est synonyme du harcèlement qu'elle subit d...

Comme raconté dans leur livre Liberté, Egalité, Phoenix ! sorti en 2019, Thomas, Christian Mazzalai, Laurent «Branco» Brancowitz et Deck d’Arcy forment une famille depuis maintenant plus de 30 ans. Le livre - achevé alors même que les prémisses d’Alpha Zulu commençaient à se dessiner - se conclut par Branco reconnaissant que pour la première fois dans l’existence de Phoenix, ils ont essayé de suivre, musicalement, le chemin le plus direct, le plus spontané, et de voir où cela les mènerait. S'ils n'avaient pas vraiment prévu que la pandémie mettrait tant à l’épreuve les sessions d'enregistrement de leur septième album, ils ne se sont pas pour autant sentis pris en otage par celle-ci.

Lorsqu’ils se sont dit au revoir au printemps 2020, conscients du sérieux de la situation, il était clair que les retrouvailles ne seraient pas immédiates (Thomas vivant à New York). Les membres de Phoenix ne composent jamais chacun de leur côté mais toujours ensemble, ils n’ont donc pas vraiment essayé de le faire à distance pendant ces périodes de séparation forcée.

Lorsque le groupe a finalement été réuni à Paris après de longs mois «Nous étions presque en transe» s’émerveille Christian. Leur nouvel espace d'enregistrement au sein du Musée qui les a accueilli en résidence n'a fait qu'ajouter à ce sentiment. «Nous avons pensé que ce serait une aventure fantastique de composer dans un tel lieu.» rajoute Branco. Ayant longtemps fantasmé sur une scène du film Bande à part de Jean-Luc Godard sorti en 1964, dans laquelle un groupe de jeunes cambrioleurs tente de s’infiltrer à l’intérieur du Louvre. «La pandémie nous a fait vivre cette scène quasi à l’identique, être seuls, dans un musée vide».

Pendant les confinements successifs, alors que le musée était fermé au public, l’accès à leur studio ne pouvait se faire que par une porte dérobée, située dans une aile opposée, nécessitant de traverser pratiquement tout le musée de salles en salles, sombres et vides de toute présence humaine, regorgeant néanmoins de trésors, de statues drapées, allant du design étincelant du groupe Memphis jusqu’au trône d'or grandiose et loufoque de Napoléon. "Je redoutais un peu que tant de beauté ne rende difficile la possibilité de créer quoique ce soit" explique Christian. "Mais l’inverse s’est produit : nous n’avons pas cessé d’écrire. Au cours des 10 premiers jours suivant le retour de Thomas, nous avons écrit presque tout l'album".

Et cette fois, ils ont avancé seuls, avec jubilation, guidés par l'esprit de feu Philippe Zdar, leur collaborateur de longue date et ami proche, décédé en 2019 à qui l’album est dédié. "Par instants, nous pouvions ressentir sa présence et ses idées. ‘Jeté’, c'est un mot que Philippe utilisait beaucoup, comme lorsqu’on lance quelque chose très vite, sans trop réfléchir." raconte Christian.

Le groupe a mis ce principe en pratique : une bonne moitié de l'album est constituée des premières prises enregistrées", précise Christian. "Ce sont elles que nous avons gardées. Quand nous avons essayé de réenregistrer les guitares et les boucles de batterie par exemple, le résultat était moins pur, moins candide. Sur cet album, toutes les prises, tous les textes, sont venus très vite et sans que nous ayons réellement le contrôle".

C'est, dit-il, l'un des éléments clés de ce nouvel album: "Il s’agit presque d’un rêve éveillé. Une rêverie. C'est véritablement l'un des mots clés. Il y a quelque chose de subconscient que tu ne contrôles pas." Une libération, un choc d'émotions, de styles et d'époques issus de cet incubateur stylistique fou qu'est le Musée des Arts Décoratifs : The Only One, avec ses percussions béates, s'oppose à All Eyes on Me, au beat presque techno. L'accent a été beaucoup mis sur "l'espace négatif" également - un concept très Zdarian : quand l’invisible devient plus visible, plus essentiel que le reste ; à l’instar de l’importance de l’espace vide des murs blancs séparant les oeuvres d’un musée – Corrélatif de la rêverie, un romantisme pur irrigue également cet album, nimbé de la conscience de la préciosité d’un tel sentiment. My Elixir, chanson solitaire, distante, au ton faussement nonchalant, est un peu l’équivalent d’un karaoké chanté seul dans un bar vide. « Tell me anywhere is home » implore-t-il dans la chanson : « Can we go home? ». Vivre aux États-Unis, où l’atmosphère passablement sombre et anxiogène a des traits parfois apocalyptiques, a incité Thomas à être plus direct dans ses paroles. C'est avec cet abandon qu’il a écrit la seule chanson de l'album qui n'a pas été composée en studio, mais à distance. Ses camarades lui ont envoyé une longue boucle instrumentale sans refrain et lui ont demandé d'enregistrer ce qui lui traversait l’esprit, son flux de conscience.

Winter Solstice en est le résultat. Peut être la chanson la plus mélancolique de Phoenix, une rumination passant progressivement de l'obscurité à la lumière. "Turn the lights on / Find me a narrative / Something positive / This requiem played a few times before", chante Thomas, désarmé.

Composer au sein du Musée des Arts Décoratifs a permis à Phoenix de boucler la boucle, d'une certaine manière. Situé à l’écart des expositions, leur studio a aussi servi d’espace de transit et de stockage pour toutes sortes d'œuvres du musée : "Dalí y a côtoyé des artefacts médiévaux autant que des sculptures de Lalanne. "Les coulisses du musée sont comme un mashup", dit Deck. "C'est très pop d'une certaine manière - comme la façon dont nous faisons de la musique».

Photo: Shervin Lainez
Toit du Musée des Arts Décoratifs, Paris

 Phoenix annoncent donc la sortie de leur nouvel album Alpha Zulu, successeur de Ti Amo (2017) pour le mois de Novembre (Loyauté/Glassnote Records/ALSO) Produit par le groupe et enregistré dans un studio aménagé au sein du Musée des Arts Décoratifs de Paris, Alpha Zulu incarne ce que Phoenix font de mieux : d’imparables mélodies alliées à une production d’orfêvres.

Plein du panache français qu’on leur connait, Alpha Zulu est à la fois novateur, accessible et un rappel manifeste de l’influence éprouvée de ces quatre français sur la pop culture contemporaine. Après Alpha Zulu, premier single sorti au mois de Juin dernier, le groupe dévoile aujourd’hui une nouvelle chanson - Tonight - en duo avec Ezra Koenig du groupe Vampire Weekend. Une première pour Phoenix !

La vidéo accompagnant le single, que vous pouvez visionner plus bas, réalisée par Oscar Boyson a été tournée à Tokyo et Paris (en partie au Musée des Arts Décoratifs).

Phoenix a annoncé également une tournée mondiale qui a démaaré aux Etats-Unis et qui est annoncé les 28 et 29 novembre à l'Olympia de Paris.

J'avais déjà adoré leur titre Alpha Zulu dont j'avais parlé cet été, j'aime tout autant celui-ci.

PHOENIX

Nouvel album le 4 novembre 2022

Titre : Alpha Zulu

Tracklisting :

1. Alpha Zulu
2. Tonight feat. Ezra Koenig
3. The Only One
4. After Midnight
5. Winter Solstice
6. Season 2
7. Artefact
8. All Eyes On Me
9. My Elixir
10. Identical 

Crédit vidéo : Phonenix - © 2022 LOYAUTÉ under exclusive license to Glassnote Entertainment Group LLC

Comme raconté dans leur livre Liberté, Egalité, Phoenix ! sorti en 2019, Thomas, Christian Mazzalai, Laurent «Branco» Brancowitz et Deck d’A...

Jacques et Thomas Dutronc, père et fils, ont décidé de se retrouver pour la première fois, sur scène et au disque. Leur tournée, débutée en avril dernier reprendra début novembre à travers toute la France dans les Zénith et Aréna avec comme point d’orgue une date exceptionnelle le 21 décembre à l’Accor Arena de Paris.

L’album studio paraîtra le 4 novembre chez Polydor. Les deux artistes y reprennent ensemble leurs grands standards.

« C’est un immense bonheur de vivre cette aventure avec mon père, cela fait longtemps que j’avais ce projet en tête. Que ce soit sur scène ou en studio, j’avais très envie de revisiter ces titres mythiques, de les moderniser tout en conservant cet esprit sixties » - Thomas Dutronc.

Vous pouvez découvrez en fin de billet le dernier titre proposé par Dutronc & Dutronc : Les cactus.
 
Dutronc & Dutronc, en tournée et le 21 décembre à l'Accor Arena de Paris. Album le 4 novembre chez Polydor. 

A noter que Jules Jaconelli sera en 1ère partie des Dutronc & Dutronc

Les premières dates à noter sont : 

• Le 3 novembre début de la tournée des Zéniths à Montpellier
• Le 4 novembre sortie de l'album et émission spéciale Taratata sur France 2
• Inauguration du Popup store à la Fnac Ternes de Paris avec Thomas Dutronc
  

Vous pouvez retrouver les villes où se produiront les artistes et acheter les billets via le lien suivant. 

Crédits photos et vidéo : Dutronc & Dutronc - Polydor

  Jacques et Thomas Dutronc , père et fils, ont décidé de se retrouver pour la première fois, sur scène et au disque. Leur tournée, débuté...

 LA COUR D'ORGÈRES

Maître confiturier à Quiberon

Les confitures La Cour d’Orgères sont préparées avec des fruits de grande qualité et cuites en petite quantité dans des chaudrons de cuivre, où elles sont remuées à l’écumoire et à la cuillère en bois de hêtre. Après plus de 2 ans de recherches, La Cour d'Orgères a mis au point une technique de fabrication plus innovante, afin de réduire le sucre tout en conservant la gourmandise d'une confiture classique. La nouvelle gamme "Les Sublimes" présente des confitures allégées en sucre et 100% issues de fruits.

 *

J'ai reçu un petit pot de 105 gr de cette marque pour test. 

Son nom Dans les Etoiles : planète ananas, passion, constellation de petits raisins au rhum, nébuleuse de citrons verts.

Rien que l'intitulé donne envie !!!

Moi qui aime les îles, les fruits exotiques, je ne pouvais qu'aimer et ce fût le cas.  

 *

 

 

 Crédits photos : *La Cour d'Orgères - Autres Dame Skarlette

   LA COUR D'ORGÈRES Maître confiturier à Quiberon Les confitures La Cour d’Orgères sont préparées avec des fruits de grande qualité et...

Alors que la Fashion Week Prêt à porter à Paris vient de se terminer, je viens vous parler des collections pour l'automne-hiver 2022 qui ont été présentées en Juillet dernier. Même si ces derniers temps le temps s'est montré splendide, l'hiver sera bientôt là !!!

Juana Martín présente "Andalucía" dans son premier défilé de mode Haute-Couture à Paris

La créatrice Juana Marin de Cordoue a fait ses débuts dans le calendrier officiel de Paris semaine Haute Couture, avec une collection inspirée de sa terre et de sa culture «Andalousie», une proposition fidèle à son style flamenco et avant-gardiste.

La collection, dans laquelle le noir et blanc, qui sont le signe de la créatrice, prédomine avec des coups de pinceau orange. Fait principalement de laine, de soie naturelle, d'organza et de tulle, y compris différentes  élaborations d'artisans dans les applications de broderie, de strass et de cristaux. Les crinolines fournissent des vêtements avec du volume, une autre des caractéristiques indubitables de Juana. «L'Andalousie est une façon de revendiquer ma culture et ma façon de voir la mode. C'est une Andalousie culturelle, nouvelle, cosmopolite et urbaine, différent de tout ce qui est établi », explique Martín.

Juana Martin se réaffirme comme l'un des noms les plus importants de la mode espagnole sur la scène internationale, avec ce défilé de mode parrainé par le Département du Tourisme de la Junta de Andalucía, Marqués de Cáceres et cofinancé par l'Union européenne.

Juana Martín presents “Andalucía” in her first fashion show at Haute Couture in Paris

The Cordoba designer makes her debut in the official calendar of Paris Haute Couture Week with a collection inspired on her land and her culture "Andalucía", a proposal faithful to her flamenco and avant-garde style.

Juana Martín makes history in Spanish fashion. This Thursday, July 7 at 4:00 p.m., the designer is participating in the Paris Haute Couture calendar with her first fashion show as a member of the Fédération Française de la Haute Couture et de la Mode (FHCM).

"Andalucía" is a tribute to its land and its culture. With the aim of bringing all the essence of Andalucía to Paris, the designer has once again invited her friend and well-known actress Rossy de Palma and the artists Israel Fernandez and Diego del Morao to musicalize the fashion show. Fernández has been described by the press as "the most important singer of his generation" and del Morao has accompanied great figures of cante throughout his career on the guitar. Both have been nominated for a Grammy Award in 2022 in the category of Best Flamenco Album for their latest work "Amor".

The collection, in which the black and white, that are a designer’s sign, predominate along with orange brushstrokes. Made mainly of wool, natural silk, organza and tulle, including different artisan elaborations in the applications of embroidery, rhinestones and crystals. Crinolines provide the garments with volume, another of Juana's unmistakable hallmarks. “Andalucia is a way of claiming my culture and my way of seeing fashion. It is a cultural, new, cosmopolitan and urban Andalucia, different from everything that is established” says Martín.

 Crédits photos : H7o7 Studio  

  Alors que la Fashion Week Prêt à porter à Paris vient de se terminer, je viens vous parler des collections pour l'automne-hiver 2022 ...